东方红

电影《东方红》的拍摄，对1964年的舞台演出版本进行了必要的删减。把舞台剧原有的8场，只选取了序幕“东方红”和前6场的“东方的曙光”、“星火燎原”、“万水千山”、“抗日的烽火”、“埋葬蒋家王朝”、“中国人民站起来”，而后两场的“祖国在前进”和“世界在前进”，则遵照毛泽东的意见，没有收入到电影画面中去。
　　在拍摄演出过程时，大部分画面采用多机位拍摄，而舞台上的许多集体亮相和群众演员的造型，则采用舞台全景和台下观众相互融合在一个画面的广角镜头，以显示出舞台演出的盛大规模，同时，也是把周恩来所反复强调的“不要离开舞台”的指示，很好地进行了艺术化的处理，从而使整部电影画面流动，情景交融，而不是机械式地一个机位固定拍摄。所以，拍摄完成的舞台艺术纪录片，既丝毫没有脱离舞台，又大胆创新，把舞台演出和艺术纪录完美地融合在一起，为今后同类样式的电影拍摄，开辟了一条崭新的道路。

《东方红》下载观后评论：

倒时差睡不着，起来看完了这部电影。观影时想得最多的是日常性（everydayness）的问题。前几天读到某学者将日常性定义为宏大叙事（grand narrative）的对立面，通过文学艺术等创意活动表现。但如果抛开价值判断不谈，其实很容易发现日常性常常被宏大叙述所征用（如果不被算作宏大叙事内在部分），这种感觉在我听《松花江上》《南泥湾》这些歌的时候特别强烈。其次，宏大不代表空洞，宏大叙事也不等同于官样文章与道德说教，为了能够深入人心，歌曲、舞蹈、电影都是常用的形式。最后，日常性在任何社会都无法独立于公共空间之外——公共/私人、公共/反公共这类二元对立本就是种幻想——而是被国族主义的、消费主义的、种族主义的叙事所塑造，如果平凡人展演平凡生活的空间也是物质的、话语的暴力发生的场所，那么该如何想象日常性对宏大叙事的抵抗？

重要的不止是电影讲述的年代同样重要的是电影诞生的年代，电影在诞生初期的主流形式就是影戏，将剧场的观众从固定的视角解放出来走到演员面前，而到了六十年代，世界的中心在北京的年代，在现代史广泛认为中国电影远远落后的时代（当然不只电影），用进口的柯达宽幅胶片拍出了这样一部人民史诗，调度精细华丽，演员表演充满生命力力使人忽视到整片场景仅仅发生在一个舞台上。没有单一角色，到了结尾，指挥家转头面向观众席，全体合唱《国际歌》，主角属于所有无产阶级群众。放到今天，这部影片仍然散发着强大的感染力，人民当家作主。

不是套话，是发自肺腑。没有苦过的人，不知道甜的滋味。没有被资本家剥削压迫过的人，不知道解放前的老百姓有多苦。看着里面的穷苦人，我就在想象外婆那一辈的人，她们曾经历过的苦难。我为那一辈人的遭遇流泪，既是为剧中人，也是为我自己家的祖辈。

专门从国外进口的彩色胶片拍摄。第二场星火燎原，从背景后面的举灯行人逐渐走到台前，逐渐壮大，创意和表现很不错。那个时候的舞台表演者都是历史亲历者，表演既有功底，又满含真情，这是现在模仿不出来的。同时，这片子可以巩固历史知识。

最伟大的文艺歌舞剧，没有之一，真正布尔什维克的，为广大人民无产阶级服务的艺术，在现今左翼文艺式微凋敝，强调个人主义小布尔乔亚至上，放弃宏大叙事的环境里，依然还能发出最强音，最喜欢的部分是胡松华老师的《赞歌》

非电影，电影制片厂参与制作的舞台剧。不涉及其他方面只说艺术和观感，小时候耳熟能详的歌曲结合舞蹈综合演绎，舞台效果与时间编排在当时应是顶级水平，可以作为历史的补充去看。

“这片土地的人们经受了无数苦难，但还是不乏愿意反抗的人” 不是单纯的舞台剧，还运用了一些电影的手法，看着还挺震撼的。算是上个世纪中国大陆非故事片的巅峰之作

看的我热泪盈眶，几度哽咽，那时候中国的歌舞艺术独树一帜，很传统很东方很美，给人带来的是享受和积极向上。再看看现在就是群魔乱舞，祸国殃民的一群畜生。

"在毛泽东时代，祖国的江山多么壮丽！祖国的人民多么幸福！"从此，"毛泽东时代"就如"毛泽东"这个震古灼今的名号成为中华民族和人类永恒的铭刻。

从《东方红》始到《国际歌》终，贯穿的是1919年到1949年30年的艰辛历程，社会主义艺术的大成者，建议以后每个国庆节影院都重映此片

央视频app观看。《东方红》里的许多唱段都是超越时代的经典，耳熟能详，家喻户晓，名副其实的音乐舞蹈史诗作品。

确实是史诗。原来有这么多耳熟能详的曲目，最后一首国际歌好震撼，这才是拍观众的正确镜头。